PREMIO DI TELLA 1966|LAWRENCE ALLOWAY Y SU VISION.

#LawrenceAlloway#DanielOtero – El presente es la transcripción del pensamiento de Lawrence Alloway, en ocasión del premio Di Tella 1966, realizado en Argentina.

Lawrence Alloway y el premio Di Tella 1966

“No es más fácil definir la nacionalidad en el campo del arte que en cualquier otro, si bien requiere compartir por lo menos, un lenguaje, una zona, algunos ideales y recuerdos. Desde el punto de vista de la identidad nacional, o como se la llame, el presente estilo internacional de arte abstracto es a menudo criticado por sacrificar tradiciones locales en aras de una eficiencia no arraigada.

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Como el espectador que viaja y el lector de revistas saben, hay mucha crítica provinciana referida al arte internacional. El hecho de que el arte, a semejanza de otras actividades humanas, se origina en el corriente estado del conocimiento, construyéndose de acuerdo con el, y por lo tanto no puede ser sobrepasado por lo desconocido. En el siglo XX hay una información inigualada  a disposición del artista sobre el arte del pasado y el presente  en el mundo entero, la propia obra del artista es expuesta y distribuida, tanto en reproducción como en original, más allá de su alcance personal. Los estilos de arte internacional han existido antes  y precisamente se han expandido naturalmente por aprovechables canales de distribución. El gótico, el barroco, el estilo romántico, fueron internacionales en su alcance y medulares por su valor cultural. Lo nuevo es la relación con que la información es transmitida y la plenitud de su mensaje, la correspondencia inmediata sobre la obra cultura entre la obra original y los substitutos de ella. Uno de los motivos para que se sospeche del estilo internacional, tal como se vincula con las técnicas modernas de comunicación, es el temor de que la autonomía de la obra artística sea invalidada por su excesiva comunicación.

Dice #LawrenceAlloway. -Para toda defensa del arte internacional es esencial una definición del arte que lo relacione con la red de comunicaciones, acelerada y expandida, en la que estamos comprometidos. La moda y la guerra, el arte de la clase media y la clase alta, están distribuidos globalmente, aunque sujetos a modificación local, nunca descansan confiadamente en sus propias áreas. La difusión de las obras artísticas por medio de museos y galerías, libros y revistas, en el mundo de la comunicación masiva trae aparejado serios problemas. La realidad del arte  es para el artista una experiencia que debe vivir como acto creativo. Por comparación, el modo de como se distribuyen las obras de arte más allá del distrito que les corresponde, el área, el cantón, la isla, solo puede ser otro género de experiencia, comparativamente impersonal. La obra de arte que conoce el artista desde adentro, adquiere una vida autónoma y colectiva. Es anónima en cuanto su singularidad puede ser rebajada  en comparación con otros artistas y su obras. En una exhibición como la presente, por ejemplo, las pinturas son distribuidas según relaciones que pueden ser significativas para mí, pero irrelevantes para las intenciones de los artistas. Al reunir obras de distintas partes del mundo, las ideas generales posibles y constantes, emergen de modo tal que amenazan reducir la dimensión de la obra original al estado de diagrama o un ejemplo.

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Sostiene #LawrenceAlloway, que El problema que debemos enfrentar para resolver nuestras dudas sobre el papel de la obra de arte en un mundo de tan atractivas composiciones y libros, es este: ¿tiene la obra de arte  un significado, solamente uno?  Una respuesta afirmativa significa embarcarse en una alta noción idealista  del arte o ignorar todo nuestro conocimiento introspectivo o sicológico. En el registro de las  emociones humanas. Parece que todo conspira para no ver problemático  el significado del arte. El psicoanálisis ha propuesto significados  de la obra desconocidos para el artista y la iconografía ha mostrado significados artísticos que han sido olvidados, por generaciones de espectadores. El arte abstracto, una vez afirmado en un platónico reino  de esencias, ha perdido su pureza y ahora no se puede considerar sino como una iconografía.  Sin embargo es una iconografía sin fuentes literarias expresas. Es la modificación y repetición por el artista de su imagen característica, en la que yace su significación iconográfica. La obra de arte está particularmente sujeta a variadas lecturas, no solo porque los actos de percepción  e interpretación  son fantástica  y humanamente diversos, sino porque muestra una forma de percibir es solo aproximativamente servida por el orden verbal que conferimos a la mayor parte del mundo. Además, la movilidad de la obra de arte nos vuelve  particularmente conscientes hoy en día del papel que desempeña el contexto  en la interpretación del arte. En el taller, el mejor lugar para ver pintura, el espectador se acerca tanto  como puede al mundo del artista, literaria e imaginariamente. En la exhibición personal en la galería, el pintor puede ser capaz de presentar un convicente  y relacionado grupo de obras, que se sostienen unas a otras, como un poeta arregla sus propios poemas. Los poemas de Baudelaire del siglo XIX  sobre Jeanne Duval, en la primera edición de “Las flores del mal”, son coherente internamente por las referencias cruzadas y las imágenes recurrentes. Si este efecto de unidad es logrado con pinturas en una galería, puede crear el pintor un extraordinario sentido ambiental llegando a ser las obras, el mundo del espectador. Las exposiciones colectivas, ofrecen otra fuente de significación, las conexiones y relaciones ocurren entre una y otra obra, un país y otro, se asiste a la repentina y huidiza, condescendiente o recalcitrante,  convergencia de separados seres humanos, a la emergencia de puntos de unidad y constancia. En el caso de la presente exposición es posible mostrar el estilo como un hecho internacional, como lo que es constante y compartido por las obras de arte en lugares ampliamente separados al mismo tiempo. El concepto de “estilo”, tiende a ser considerado por los artistas con el manierismo y el “clisé”, pero de hecho es un simple modo de descubrir las relaciones que hay entre las obras de arte.

LAWRENCE ALLOWAY.